Le récit filmique et ses modes d'énonciation

Pour écrire le scénario d’un film, le scénariste, qui peut être le réalisateur du film, fait un travail documentaire à partir de coupures de presse, d’articles, de photos, de dossiers. L’écriture du film occupe une place prépondérante. Chaque scène y est pensée et écrite dans ses moindres détails, les mouvements des caméras et des personnages mais aussi la brève description des décors figurent dans le script. Ces précisions s’apparentent à des didascalies, à des indications scéniques que l’on trouve dans le texte de théâtre. Le scénario est ouvert et modifiable, jusqu’au tournage, et même en plein tournage chez certains réalisateurs.
François Truffaut considérait que l’on fait plus un film avec des images qu’avec des mots, et qu’une scène doit contenir six idées plutôt qu’une idée ne doit remplir une scène.

Le storyboard est un document qui complète le scénario. Chaque scène du film y est dessinée et aide le réalisateur à visualiser ce qu’il veut filmer, à rendre compte de certains effets souhaités et permet de réfléchir aux types de plans nécessaires pour telle ou telle séquence.

Le récit au cinéma est directement pris en charge par les personnages qui agissent et interagissent, effaçant le plus souvent toute trace du narrateur. Au contraire du récit littéraire, le récit filmique donne l’impression que l’histoire se déroule dans un présent immédiat et continu, qui impose au spectateur sa présence.
Le caractère inexorable et fuyant du récit filmique est une des caractéristiques du cinéma puisque le spectateur, à la différence du lecteur, ne peut ni marquer d’arrêts, ni revenir sur les ruptures de temporalité (retours en arrière, projections dans le futur, etc.), les condensations et les ellipses temporelles.

Quelques éléments d’analyse filmique sont à souligner : les choix de cadrage et de plans déterminent les points de vue et le montage assure l’enchaînement des plans et le mode de déroulement du récit. Ainsi, par exemple, des ruptures ou un fondu enchaîné imposent le rythme narratif, les champ / contre-champ assurent l’authenticité du dialogue. On peut rapprocher la notion de point de vue au cinéma de son utilisation dans le domaine littéraire qui parle lui de focalisation. Le montage peut être mis en rapport avec la construction et l’agencement des séquences dans l’écriture.

Lors de l’étude filmique, il est important de repérer le point de vision, c’est-à-dire la place de la caméra pour déterminer le type de focalisation choisi par le réalisateur pendant la séquence. Le point de vision peut être :
- soit interne (la caméra voit ce que voit le personnage qui a disparu de l’écran),
- soit zéro (la vision ne renvoie au regard d’aucun personnage).

Le point de vue (ou la focalisation) est ce que nous savons de l’histoire, comme dans un roman. Ce point de vue peut être :
- soit interne (le récit filmique se limite au savoir d’un personnage).
- soit externe (nous en savons moins que le personnage, nous n’avons pas accès à son intériorité, voire certaines de ses émotions et de ses pensées).
- soit spectatoriel (nous en savons plus que le personnage).