Le couronnement d'une vie

Matisse rencontre Lydia Delectorskaya en 1932. Elle l'assiste alors à la réalisation des grands panneaux de La Danse. Mais c'est à partir de 1933 que Lydia rentre définitivement dans la vie de Matisse, devenant son assistante, sa secrétaire, son modèle privilégié et sa confidente. C'est surtout en tant que modèle que Lydia a marqué de son empreinte la carrière de Matisse. Elle semble avoir apporté à ce dernier une inspiration nouvelle, inspiration portée par l'élan du travail colossal et réussi de La Danse.

La plupart des toiles peinte entre 1935 et 1939 sont en effet des portraits de Lydia, mais des portraits montrant une évolution sensible par rapport aux nombreux portraits de femmes qu'a produit Matisse jusque là, dont les Odalisques des années 20. Tout d'abord, Matisse a gardé de La Danse une tendance à la simplification des formes, mais aussi à la déformation pour atteindre à un maximum d'expressivité. Le dessin, souvent littéral, c'est-à-dire directement inscrit sur la toile en complément de la peinture, vient appuyer cette recherche. La couleur est à nouveau traitée en aplats mats, avec une liberté chromatique qui a fait dire de ces oeuvres des années 1935-39 qu'elles appartenaient à « un second fauvisme ». Matisse lui-même reconnaît vouloir revenir à la « pureté des moyens ».

Les toiles inspirées par Lydia présentent pourtant un caractère pour ainsi dire inédit dans toute l'oeuvre de Matisse, caractère inauguré à grande échelle avec La Danse : il s'agit de l'artifice qui consiste à faire déborder le sujet hors du cadre, pour donner à un espace limité, selon Matisse, les apparences de l'immensité. Le sujet n'est donc plus le modèle en tant que tel, sur lequel la composition n'est plus centrée, mais l'espace suggéré par le débordement hors du cadre.

Cette liberté dans le cadrage que s'octroie Matisse lui permet également de disposer sur la toile - à partir de son modèle mais comme il l'entend - des formes, des plans, des lignes, dont l'agencement est souvent préparé avec des gouaches découpées. Parmi les toiles emblématiques de cette période se trouvent Le Rêve de 1935 (Musée national d'art moderne, Paris), le Grand nu couché (Musée de Baltimore), aussi de 1935, où encore Le Bras (collection particulière), de 1938 ; toutes les trois ont eu Lydia pour modèle.

Dans Le Rêve, le cadrage est resserré sur le haut du corps et le visage d'une femme endormie, couchée sur le ventre. Bras droit et avant-bras gauche, sur lesquels la tête repose, occupent toute la moitié inférieure de la toile, du fait d'une déformation volontaire qui les fait apparaître au premier plan ; tout le reste du corps est hors-champ. Matisse met ainsi en avant la construction de sa toile à l'aide de formes nettement découpées, plutôt que le modèle lui-même.
Dans Le Bras, seuls apparaissent le bras et le triangle rose du décolleté de Lydia, selon une composition qui, comme celles du Rêve ou du Grand nu couché, aura été élaborée au fil de nombreuses études et esquisses, autant d'étapes dont Lydia gardera des photographies. La Blouse roumaine (Musée national d'art moderne, Paris), autre oeuvre représentative de cette période, sera achevé en 1940, après être passée par toute une suite d'états, progressant vers une simplification, une épuration toujours plus grande, jusqu'à la synthèse finale.

Les quinze dernières années de la vie de Matisse seront marquées par la grave intervention chirurgicale qu'il subit à Lyon en 1941. Elle le laisse aussi diminué physiquement que ragaillardi moralement et spirituellement. Passé à deux doigts de la mort, il se sent bénéficier d'une seconde vie dans laquelle il se permettra toutes les aventures artistiques : les gouaches découpées, la chapelle du Rosaire de Vence, mais aussi une poignée de toiles dont l'exécution lui est rendue très difficile par son fragile état de santé. Ces rares toiles manifestent pourtant, par la lumière qu'elles diffusent, une réelle joie de vivre. Dès juin 1941, soit six mois seulement après son opération, Matisse entreprend Jeune fille à la robe blanche, puis Amaryllis et fruits, Nature morte à la table de marbre, etc. Nature morte à la table de marbre (Musée national d'art moderne, Paris) est un florilège de couleurs adoucies (jaunes, verts, bleus, roses, rouges), d'accords chatoyants posés en touches libres cernées de quelques traits de crayons apparents, disposés dans un espace qui quoique frontal reste ouvert, par l'aménagement de points de fuite qui mènent hors du cadre.

L'été suivant, Matisse creuse la même veine, avec notamment une série sur les Danseuses ; La porte noire (Zurich) rappelle de loin certaines Odalisques, mais qui auraient subi une synthèse expressive radicale, une simplification des traits en même temps qu'une libération définitive des couleurs. En 1943, Tabac royal affirme ce parti pris. Ainsi, en même temps qu'il commence à développer sa maîtrise des papiers découpés et prend du recul par rapport à la peinture, Matisse fait dans celle-ci des avancées qu'il juge décisives, tant dans le dessin que dans la couleur. Ses dernières toiles seront celles dites des Intérieurs de Vence, en 1947-1948, parmi lesquelles Le silence habité des maisons de 1947, Le rideau égyptien, La branche de prunier, Intérieur à la fougère noire, tous de 1948, dans lesquelles il résume les recherches de toute une vie. En 1950, Matisse reçoit le grand prix de la XXV^e Biennale de Venise, qu'il souhaite partager avec le sculpteur Henri Laurens. Les toutes dernières années d'activité, de 1948 à 1951, seront en grande partie consacrées à la chapelle du Rosaire, à l'inauguration de laquelle il ne pourra assister, mais dont il dira qu'elle est l'oeuvre et la consécration de sa vie. Matisse mourra d'une crise cardiaque le 3 novembre 1954, à l'âge de quatre-vingt-cinq ans.