Ecrits sur l'art, Baudelaire

Baudelaire, Zola, Huysmans, Gautier ont crée la notoriété de grands peintres comme Manet, Delacroix et ont restauré les catégories esthétiques qui seront renversées plus tard par les modernistes. De l’histoire de la critique d’art au XIX^e siècle, Baudelaire n’a écrit que quelques lignes mais donne un « frisson nouveau » puisqu’il est le premier à élaborer l’autonomie de l’artiste par rapport à l’art.

Il publie les Salons (1845,1846) qui font sensation et marquent l’entrée du poète des Fleurs du mal dans la carrière de critique d’art et des lettres. Mais son premier Salon reçoit un mauvais accueil et il n’y a pas de véritable mise en place d’un système esthétique à la différence du deuxième Salon.

Très jeune, Baudelaire s’intéresse à l’art, visite Le Louvre, les Salons et les expositions. La peinture devient une de ses passions.

Dans ce deuxième Salon, le poète procède à une lecture interne du tableau : l’importance des dessins et des couleurs, la mise en évidence d’un système esthétique conciliateur des différentes valeurs d’art. La communication entre le peintre et le critique d’art est ainsi essentielle.

Baudelaire construit ainsi un système esthétique à partir de l’annulation des antinomies, des dualités, en passant par le critère de la Nature : « Je dis la contradiction et non le contraire, [qui] est une invention humaine ». Cette contradiction est l’accord des contraires dans le contraste ; ce qui est le fondement de l’art moderne aux yeux de Baudelaire.

Baudelaire rejette la peinture réaliste et ne parle pas de Courbet, peintre qui fait alors sensation en 1850.

La recherche du Beau idéal implique l'utilisation de la couleur. D’où l’enthousiasme de Baudelaire vis-à-vis des tableaux de Delacroix qui sont « l’expression la plus récente du Beau ».
La notion de tempérament est plus apte à l’idéalisation de la nature. Pour Baudelaire, le tempérament, qui est une notion-clef dans la critique d’art du poète et de Zola, est un amalgame complexe, de spirituel composant l’harmonie individuelle de chaque artiste. La Beauté moderne telle que la conçoivent le romantisme et Baudelaire est la somme de contraires, de bizarreries, un mélange de dessin et de couleur. Cette voie est la plus difficile pour le peintre selon le poète.

Son système esthétique est paradoxal ; on ne peint pas comme on voit. Baudelaire prétend annuler l’antinomie dessin/peinture qui existe depuis le XVII^e siècle, et désire réconcilier la couleur et le dessin par la Nature : « Exalter la ligne au dépend de la couleur, ou la couleur au dépend de la ligne, sans doute c’est un point de vue qui n’est ni très large, ni très juste » (« De la couleur »). Toutefois, l’artiste ne doit pas imiter la nature car son foisonnement de détails est impossible à représenter.

La créativité et l’universalité résident dans la manière de sentir. L’exclusivité de la vision est le style de l’artiste. « Le grand artiste doit rester toujours un et compact comme il est multiforme ». Cette contradiction de l’artiste fonde la théorie du génie et est propre à l’esthétique romantique. Le rapport entre le spectateur et le génie doit être contestataire. Le génie créateur domine le sujet et le public.

La question de distance et de visibilité par rapport au tableau est une question centrale et hardie au XIX^e siècle. Pour Baudelaire, l’harmonie du tableau est dans la distance du spectateur.